ART NAIF : (Déf) : "qui représente bien la chose telle qu'elle est". Beaucoup d'artistes adoptent ce ton ingénu, simple, voir innocent. Quelle tentation ! Qualifions d'Art Naïf majeur, d'abord celui des enfants. Les voici qui se mettent au travail, à quatre pattes, dans un océan de papier où très vite le haut, le bas, la droite et la gauche n'ont plus court. La langue sortie, ils représentent avec sérieux la chose, non pas "telle qu'elle est",….. mais bien "telle qu'ils la voient"…… ce qui est la véritable naïveté. Encore faut-il avoir ce courage d'affirmation, qui est toute leur innocence. Art Naïf majeur aussi, les Ex-Voto, où quelques un, des rescapés de ces terribles catastrophes où tout chute, tout coule et tout brûle se révèlent des peintres à par entière ….et quels peintres! (voir le Musée International d'Art Naïf à Nice). Citons l'expérience de Jean Dubuffet et son art brut, principale et magistrale tentative de retour à la "naïveté de l'enfance, au refus du "bienfait" des adultes FIGURATION : Figuration (f) : action de représenter quelque chose sous une forme visible. Si on s'en tient à la définition du dictionnaire, toute forme de peinture, même l'abstrait, serait figuratif ! Pour définir réellement ce qui est figuratif en art, il faudrait donc étendre cette définition à " l'action de représenter quelque chose sous une forme visible et que l'on puisse retrouver, identifier dans le monde objectif des formes, et des objets du réel" Classique, puis Narrative, années 60 ( Monory, Arroyo) - Nouveaux Réalistes toujours dans les années 60 (Klein) , Libre, années 80 (Combas, Enzo) , etc.. les attributifs ne manquent pas depuis les années 50 pour qualifier la continuation (ou le renouveau?) de ce qualificatif jusque là constitutif de l'art plastique. Citons les deux plus grands génies qui bouleverserons à tout jamais la peinture figurative au tout début du xxème siècle: - Matisse, à qui Gustave Moreau, son professeur, dira : " Vous êtes celui qui simplifiera la peinture Française". - Picasso qui la fait littéralement exploser avec l'invention (conjointe avec Braque ) du cubisme. ( cf. les Demoiselles d'Avignon. -1907.) CONCEPTUEL : Les années 70 constituent d'après Albert Schjeldahl (critique américain) une sorte de "laboratoire chimique" dont les deux têtes seraient Andy Wharol et Joseph Beuys. Alors que Wharol représente à l'infini des objets du réel multipliés, Beuys expose des éléments du réel démunis de cohésion interne. L'art se fait conceptuel et demande aux spectateurs plus de réflexion personnelle que de jouissance visuelle. La peinture devient conceptuelle ( Joseph Kossuth) la sculpture devient minimaliste ( Carl André, Stella etc.) et le "Land Art" (Michael Heizer, Walter de Maria) procède logiquement de ce nouveaux positionnement des artistes des années 70. Mais sous l'effet de la mode, la conceptualisation s'accentue par la surenchère, et nombre d'artistes s'engagent dans cette voie sans voir que le public déserte bientôt les immenses salles vides des galeries et des musées qui montrent ad libitum "installations" et "manifestes" souvent abscons ……..et que par ailleurs personne n'achète ! ( Le plus grand marchand d'Art américain Léo Castelli confesse n'avoir vendu que très peu d' œuvres conceptuelles) Vivant, comme toute réaction, le conceptuel sera repris en compte par certains artistes Français sous d'autres formes : école de Nice - Arman, Ben, Raysse, etc. ) et dans les années 80 dans les expériences de l'Arte Povera italien. POST- IMPRESSIONISME : Comme son nom l'indique, cette qualification recouvre non des inventeurs, mais des suiveurs…souvent de talent. En ce sens, il serait plus juste de parler d' appellation, plutôt que d'un mouvement : pas de chef de file comme Monet, Renoir ou Manet dans l'impressionnisme, pas de critiques, pas de batailles. On les admire au Musée d'Orsay plutôt qu'au Louvre, mais ne faisons pas la fine bouche: on les aurais volontiers dans notre salon ! Citons quelques noms : Camoin, Henri Martin, Caillebote, Vuillard, Lebourg etc... Art Cinétique (EV) : théorie qui vise à intégrer le mouvement dans l'œuvre d'art. Pas beaucoup d'artistes s'y sont réellement risqués... Citons tout de même Balla en Italie au début du siècle, et arrivons tout de suite au "maître" incontesté du genre : Vazarely et son "Op art". Fils spirituel du Bauhaus, se voulant plasticien plus qu'artiste, il travaille vite dans le multiple, parle de "folklore planétaire", et comprend surtout vite l'intérêt qu'il y a à utiliser des praticiens exécutants aptes à multiplier un original. La galerie Denise Renée sera son égérie, le centre Pompidou accueillera dans son hall d'entrée un grand -portrait- du -Président -Pompidou -réalisé- par -le -maître, lequel ouvre, dans la foulée, un centre de recherche architectonique à Aix en Provence, puis deux musées didactiques, un à Gordes, l'autre en Hongrie, son pays natal. L'art cinétique ne se vend pas, mais Vasarely, si. D'autres artistes moins connus et moins commerciaux, comme principalement Takis, tenteront des démarches poétiques, sensibles et inventives, qui donneront à l'art cinétique les lettres de noblesse qu'il requiert.

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